The pomegranate, resembling a red pouch filled with sparkling jewels, is traditionally known in Korea as a symbol of fertility and good fortune. As such, it has long been a symbol embroidered on wedding costumes and ceremonial robes to impart good fortune to the wearer.

The pomegranate tree in the background is subtly drawn for the fruit and its leaves expressed in its full sensual coloration, creating a natural contrast. Like a sky lantern floating in the night sky carrying a wish, or an oil lamp lighting the way in a dark mountain road, the pomegranate floating auspiciously captures our eyes and hearts.

열매 속에 씨앗이 빼곡히 든 석류는 예로부터 다산을 상징했다. 나무에 달린 열매에서는 당장이라도 투명하게 반짝이는 씨앗이 터져 나올 듯하다. 그 모양 그대로를 무늬로 만들었다. 배경의 석류나무는 그늘지게 표현하고, 열매와 잎을 찬란하게 드러내 대조가 되도록 했다. 소원을 담고 밤하늘을 나는 풍등처럼, 어두운 산속에서 길을 알려주는 호롱불처럼 직물 위에서 상서롭게 떠다니는 석류가 우리의 눈과 마음을 붙잡는다.

From ancient times, Koreans have worshiped certain mountains as a deity, considering them spiritual centers. Prior to important events, one would go pray at these mountains. Koreans have great importance to the nature of mountains and practiced living in harmony in it, taking caution not to interfere or offend. The common mountainscape theme decorating many folding screens or artworks is explained by this tradition; as Koreans believed that our surrounding landscape controls the energy of our own lives, they hoped to live in harmony with nature. These works of art were the manifestation of the desire to bring that belief into the home through the medium of art.

Postmodern landscapes embroidered on folding screens, pomegranates and plum blossoms appearing in folk paintings, and symbolic shapes that signify good fortune such as bookshelves and ceramics, were collected and edited freely in an irregular form, as if connecting pieces.

예로부터 우리 민족은 영산이라 해서 산을 숭배해왔다. 큰일을 앞두면 산에 올라 치성을 드렸고, 함부로 산의 기운을 거스르지 않으려 했다. 산수는 우리가 사는 영토의 기운을 관장하며, 우리 생활은 풍수에 의해 영향을 받는다고 믿었다. 그래서 오래된 병풍이나 그림으로 가장 많이 등장하는 것이 산수화다. 자연을 중시하고 자연과 더불어 살아가기를 바랐기에 늘 곁에 두고 즐길 수 있도록 생활에 끌어들인 것이다. 병풍에 자수 놓은 포스트모던 양식의 산수를 비롯해 민화에 등장하는 석류나 매화 같은 자연 만물, 책가도와 도자기처럼 길상을 의미하는 상징적 조형을 모아 조각을 잇듯 비정형의 형태로 자유분방하게 편집했다.

In 2013, while preparing an exhibition in the Onyang Folk Museum I found an eight part folding-screen depicting Baekseondo – a painting of a hundred fans. It looked as though the fans were free falling from above, or dancing as if rhythmically arranged by invisible air or water currents.

Inspired, I borrowed the brilliant rhythmical and picturesque attributes of the original as they were, while also extracting the subtle colors and toning them down in a more vintage style to create this pattern. It is titled ‘Fan Dance’ as an homage to that first impression from the original artwork, and has since become a favored pattern applied to curtains or wallpapers.

2013년 서울시립 남서울미술관에서 전시 〈장2013년 서울시립 남서울미술관에서 전시 〈장응복의 부티크 호텔, 도원몽〉을 준비하던 시기, 온양민속박물관에서 귀한 백선도 8폭 병풍을 만났다. 조선 시대의 병풍으로 부채들이 위에서 떨어지는 듯, 물에 흘러가는 듯 배치되어 춤을 추는 듯했다. 화려하고 율동적이며 회화적인 원본을 그대로 차용하되, 담백한 부채의 선을 살리고 그 안의 각양각색 무늬를 수채화처럼 담백하게 정리해서 그려 넣었다.

Kkotsin, literally translating to flower shoes, are historic Korean shoes that were worn by young ladies from wealthy families during the Joseon dynasty. Most women could not afford flower-shoes. They were only a fantasy, something to dream of – hence the unwearable flower shoes painted on the tree.

This piece was inspired by the artwork of Suk-nam Yun; I saw a piece from her decades ago depicting kkotsin on a tree, and they caught my eyes instantly. She gave me permission to use this image but it wasn’t easy to apply to pattern design, and it took me more than two years of meditating on the painting. One day, I rearranged the painting and found what I wanted: Kkotsin was made by placing Korean fabrics such as sambe, traditional Korean hemp, on a leather frame to stretch into shape. Blue-red patterned silk was attached on top, and various flowers and butterflies were embroidered and beautifully decorated with complementary colored threads, with the colors attributing to the original artwork. This flower-shoe pattern was received very favorably by the public as soon as it was released, and has enjoyed popularity consistently for over two decades.

꽃신은 조선 시대 사대부가의 젊은 부녀자들이 주로 신던 것이다. 가죽으로 만든 틀에 융이나 삼베를 대고 곱게 기워 그 위에 청홍색의 무늬 있는 비단을 붙인 다음, 보색이 되는 색실로 온갖 꽃과 나비를 수놓아 예쁘게 장식했다. 처음 꽃신을 무늬로 만들었을 때는 경사스러운 날에 우선 떠오르는 홍화의 홍색을 바탕에 두었고 그렇게 만든 무늬는 20년 넘게 사랑받아왔다. 그런 만큼 꽃신 무늬를 초록 바탕에 올릴 때는 많이 고민했다. 자연을 상징하는 초록이라고 하면 흔히 먼저 떠오르는 색이 있겠지만, 천연 염색을 하는 내 경우 쪽과 괴화의 혼염을 통해 나오는 아름다운 풀색을 먼저 연상한다. 현대에도 초록이 주는 기억의 온도는 누구나 비슷한 듯하다. 다채로운 색조의 꽃신을 우아한 질감의 비단에 올리니 싱싱하고 활기가 넘친다.

My white porcelain series mainly uses the outline of the Korean moon jar or white porcelain pottery styles of the Joseon Dynasty. The pattern of the porcelains are inspired by the still life paintings of the Italian artist Giorgio Morandi, placed intentionally to express a sense of volume. Decorating the porcelain patterns inspired by the beauty of the traditional landscape and nature paintings in the classic blue, as well as the Korean ink paintings of orchids .

This pattern is expressed digital printed on thick Korean traditional paper, hanji, in order to express the feeling of the organic, aged porcelain in which one can feel the long passage of time. It is used to create wallpapers, folding screens, and even furniture.

백자 연작은 조선 시대 달항아리나 백자호에서 주로 외곽선을 따와 작업했으나, 이 무늬는 이탈리아 화가 조르조 모란디 Giorgio Morandi의 정물화를 보고 영감을 받아 양감이 드러나도록 디자인했다. 그 위에 청화백자의 아름다운 산수화, 화조도, 사군자도, 특히 강한 감동을 준 수묵의 난 등을 겹쳐 그려 넣었다. 오래된 백자 표면의 자국들도 시간의 흐름을 알 수 있도록 그대로 남겨뒀다. 두꺼운 한지에 디지털 프린트해 벽지나 병풍, 가구 등을 제작하거나 아트워크로 공간을 장식했다.

This piece is rooted in the inspiration of the treasure of 분청조화박지모란문편병 粉靑彫花剝地牡丹文扁甁, loosely translating to ‘Buncheon porcelain celadon with peony pattern engraving’. The Korean potters who created inlaid celadon lost their jobs after the Goryeo Kingdom fell and Joseon emerged, forcing them to relocate into the deep mountains and valleys. There, they began to create ceramics freely out of their own sensibility and techniques. The works they created are collectively named grayish-blue-powdered celadon, as they maintained the basics, coating the raw material made of gray clay with white clay, revealing patterns using various techniques.

I transcribed traditional peony flower patterns, intriguing in their bursts of flower bulbs and seeds, blurred them as though they were dyed in yellow, overlaid them, and simplified them to bring out the distinct engraved pattern’s overall effect.

영감을 준 분청조화박지모란문편병 粉靑彫花剝地牡丹文扁甁은 ‘모란 무늬를 새긴 분청사기 편병’이란 뜻이다. 모란꽃은 물론 잎사귀와 씨방에서 터져 나오는 씨앗들의 상징적 의미를 추상적으로 단순하게 그려낸 조형들이 흥미로웠다. 분청사기의 선과 문양을 함께 그리고, 디지털로 수채화 느낌의 블러blur 효과를 겹쳤다. 솟아오르고 뒤로 가라앉기를 반복하면서 드로잉 형태와 함께 물들어갔다.

One of the popular craft practices in Gyubang culture since ancient times was needlework embroidered pillowcases which held the traditional Korean wooden neck pillows. This craft requires great care and technique, and was undertaken mostly in Subokgangnyeong, Mansumugang, and Deuknam. Popular symbolic embroideries included letters, flowers and birds to symbolize a happy and fortunate marriage. There are many additional symbols that were used to impart good energy to the home. This pattern design has gathered many of them, to converge those good energies in harmony in one.

예로부터 보편적인 규방 문화 중 하나는 목침의 베개 섶을 수놓아 정성스럽게 만들어 쓰는 것이다. 주로 수복강녕, 만수무강, 득남 등의 상징적인 문자와 금실 좋은 부부를 뜻하는 화조도를 수놓았다. 여러 길상의 의미를 베갯잇에서 찾아볼 수 있으니, 그 기운을 모아 하나의 패턴을 디자인했다.

Taneun, a scholar-artist of the Joseon Dynasty, painted a young bamboo shoot that rises vigorously from the ground in early spring. Inspired, this pattern evokes through its empty white space a winter snow scene. Through the usage of shadows it showcases a bamboo forest, and through the subtle gradation of the leaves the scene is expressed as if it were seen through a transient cloud, or a reflection on the ever-flowing water.

조선시대 문인화가 탄은 이정의 수묵화를 소재로 초봄 지면을 뚫고 힘차게 솟아오르는 어린 대나무(눈죽:어린 대)를 그려냈다. 설경의 흰 여백에 대나무 숲의 그림자를 배경으로 댓잎의 신묘한 농담을 사이로 구름인듯 물인듯 흐르는 풍경을 표현하였다.

Cheonghwayeonmodangjun translates to a white porcelain that is decorated lotus flower, peony, and arabesque patterns with blue pigment, its shape maked by soft and neat lines which starts with the low and wide opening, that grows gently as it goes down to the body, then narrows again. The craftmen employed by the royal family of Joseon produced a variety of works in this style as a second center of production outside China. As the import of blue pigments increased in the 18th century, more and more Gilsangmun, the symbols of nature, appeared on the pottery to wish for long life and happiness.

At the center of an exhibition at the Gana Art Center in Seoul, a Cheonghwayeonmodangjun was standing all alone, stopping me in my tracks, powerfully moving in its beauty. On that single white porcelain vase, various elements were placed in perfect harmony with each other. The formal beauty was so powerful, sophisticated, and refined that I was inspired to turn it into a contemporary pattern design.

청화연모당준은 백자에 푸른 안료로 연꽃, 모란, 당초무늬를 그린 항아리라는 뜻이다. 주둥이는 낮고 넓으며 몸통으로 내려가면서 부드럽게 커지다가 다시 아래로 내려갈수록 좁아지는데, 그 선이 부드럽고 준수하다. 연꽃과 모란이 하나의 덩굴로 어우러져 4단으로 구성되어 있고, 사이사이에 뇌문, 여의두문, 연판문, 변형 완자문 등 다양한 무늬가 빼곡이 들어차 있다.

가나아트센터에서 도자기를 전시한다 해서 갔는데, 이 보물이 전시장 한가운데 유리 상자도 없이 오롯이 놓여 있었다. 영화의 한 장면처럼 나는 그 앞에 얼어붙어 버렸다. 가슴이 터질 것처럼 감동적이었다. 백자 하나에 연꽃과 모란, 당초무늬가 조화롭게 자리 잡고 있었다. 어느 미술 작품에서도 보기 힘든 조형미가 너무 아름다웠고, 이걸 무늬로 만들면 고급스럽고 세련된 디자인이 나올 것이란 직감이 들었다.

The rooms of the nobility of Joseon Dynasty were decorated with simple, minimal furniture, such as display cabinets, writing tables, pictures, and folding screens made of wood. Chaekgado, translated as "books and scholar’s accouterments", is a genre of still-life painting from the Joseon period of Korea that features books as the dominant subject. This genre of paintings showcase a geometric beauty, sometimes referred to as the cubism of the East; they sometimes look three dimensional in the style of architectural perspective drawings, and sometimes like still-life paintings with freely composed subjects. Rather than being drawn from the perspective of the painter, this style places the perspective on the objects looking outward.

When I was young, I remember having the feeling of seeing a forest of buildings when I looked at Chaekgado paintings. For this design I took a part of a traditional painting and turned it into a new pattern, using a repetition of the motif of the collection of books in a checkered pattern to create that ‘forest of buildings’ feeling that I have had in mind since childhood.

책을 중심으로 문방사우와 다양한 소품을 기하학적 조형미를 살려 배치한 책가도는 마치 건축 투시도처럼 삼차원으로 보이는 것도 있고, 소품을 자유롭게 배치한 정물화 같은 것도 있다. 그림마다 학자의 서재를 표현하는 상징을 사용했는데 주로 만물 생성의 근원이 되는 것들이었다. 그저 구경거리가 아니라 상징을 담아 새로운 시각으로 표현한 고차원적인 그림이 책가도다. 미술사적으로 의미 있는 것은 입체적 공간을 표현하는 책가도에서 서양 미술의 원근법이 아닌 역원근법을 사용했다는 점이다. 이는 관람자가 그림을 보는 것이 아니라 그림 속의 사물들이 그림 밖 세상을 바라보는 듯한 모양새다. 화가가 네모난 종이 안에 소품들을 배치해 짜 넣은 것이 아니라 화면 안의 어떤 힘이 사물들을 그림 밖으로 밀어내는 것이다. 결국 사람의 시선이 아니라 소품의 시선으로 짠 구성이라 볼 수 있다. 서양의 큐비즘적 회화 방식이라는 얘기도 한다.

The fan is a timeless and common tool to create a cool breeze, used by people of all ages throughout Korean history throughout the seasons. Yet, despite its ubiquity, it was also used symbolically to reveal status, as well as in ceremonies such as for the bride to cover her face during a rite in marriage. Traditional Fans can be made with different materials and in different shapes, such as the Taegeukseon (fan with yin-yang pattern) in a circular shape, Jwilbuchae or Jeopseon (foldable fan), and Yoonseon (wheel-shaped fan), which unfolds into a circle.

I used the motif of circular fans, arranging eight luxurious round fans in repetition. A luxurious pattern in light shades was created. The center axis of the fans was an important element of the design, as well as the four plant drawings for the coloration of the design. Applied to summer curtains or wallpaper, this fan pattern creates an image that brings to mind a picture in an old magazine.

우리 선조들이 남녀노소 막론하고 사시사철 손에 들고 다니던 소품이 부채다. 부채 무늬를 만들 때는 무늬에 일관성을 주기 위해 주로 둥글부채를 사용했다. 부챗살 끝을 휘어 오동나무 잎사귀처럼 만든 오엽선梧葉扇, 부처님의 자비를 비는 연잎 모양의 연엽선蓮葉扇, 윗부분에 살짝 홈이 있어 고급스런 실루엣을 만드는 파초선芭蕉扇, 혼례 때 신부가 얼굴을 가리는 용도로 사용한 동그랗고 장식적인 진주선眞珠扇, 한 바퀴를 돌려 펼치는 윤선輪扇 등 여덟 가지 고급스런 둥글부채를 모양 있게 배치하여 사방으로 반복하니 연한 색조의 고급스런 무늬가 탄생했다. 윤선의 가운데 중심축도 디자인의 중요한 요소였고, 부채 위에 그려진 사군자 역시 다채로운 그림을 만들 수 있는 요소였다.

Farmers' hands get busy when the spring is ripening in May. Their hands slice through the glimmering surface of the water, overturning the rice fields; the earthworms are revealed to the surface and create a ripple. From nowhere, cranes fly in to catch their feed, as the sun sets over the field. The graceful gestures of the cranes are tinged golden, and their silhouettes held against an alluring landscape slowly in flowing time. This is the moment to rest still, hold your breath, and become one with them.

봄이 무르익어 가는 5월에는 농부들의 일손이 바빠진다. 보석처럼 찬란하게 빛나는 물살을 가르고 논두렁을 갈아엎으면, 수면 아래 숨어 있던 지렁이 따위의 양기 충만한 미물들이 지표면 위로 드러나 요동친다. 어디서 날아드는지 모를 각종 학이 삽시간에 모여 야단법석이 난다. 어느덧 뉘엿뉘엿 날이 저물고 너른 벌판에 석양이 드리운다. 학들의 우아한 몸짓이 황금빛으로 물들어 그 실루엣은 고혹적인 풍경을 그려낸다. 천천히 흘러가는 시간, 발길을 멈추고 숨을 죽여 그들과 하나가 된다.